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很长一段时间里，没人想过要讲述这个故事。安特卫普的拳击和摔跤已有数代传承。城里有藏身于地下室和店铺后间的训练馆，有师承一脉、代代相传的教练，还有遍布全城的120家俱乐部，从空手道到自由搏击无所不练。然而，正如拉希德·阿提亚（Rachid Atia）所说，”武术的故事从未被讲述过。”

这一切因《武术》（Martial Arts）而改变。这是安特卫普河畔博物馆（Museum aan de Stroom，简称MAS）举办的一场展览，它做了一件鲜有博物馆敢于尝试的事：把城里的武者视为一个文化遗产群体，并邀请他们走进来。

MAS是安特卫普一座大型国际博物馆，其藏品从本地历史一直延伸到贸易与航运的悠长历程。展览本身则来自别处：阿姆斯特丹的世界博物馆（Wereldmuseum）最先策划了它，完成了研究，汇集了展品。”我们把它带到了安特卫普，”在The Heritage Lab工作的阿提亚说。这个部门隶属于博物馆，但相比藏品，它更关注藏品周围的社群。”这让我们有机会深入武术的世界，尤其是在安特卫普这里，因为安特卫普有着深厚的武术传统。”

The Heritage Lab所做的正是这样的事：寻找那些尚未被认定为文化遗产的传统与实践。武术成了一个很有说服力的对象，尽管团队过了一阵子才意识到这一点。”人们不会把武术和文化遗产联系在一起，”MAS的项目策划人海伦·德帕希（Hélène De Pagie）说。阿提亚后来转向了相反的看法。”也许武术社群正是文化遗产社群的典范，”他说。”它们承载着悠久的知识、哲学、技艺和道德规范的传承。这是全新的东西。对我们来说，这是一种全新的思路。”

熟悉这些俱乐部的人

一场涉及120家俱乐部的展览，需要一个真正能走进每一扇门的人。这个人就是贾马尔·图阿拉（Jamal Touala）。他在城市体育部门Sporting A工作，此前曾参与起草安特卫普的武术政策。他本人也是一名武者，这一点比任何头衔都更重要。

“他是我们通往武术圈的纽带，”阿提亚说。”他和这些俱乐部很亲近。他是我们的中间人，让我们得以接触各家俱乐部、建立联系，并找到那些有着深刻故事和背景的人。”

图阿拉占了先机。制定政策时本就需要给这些俱乐部建立档案、让它们参与其中，所以关系早已存在。”我们了解自己的俱乐部，”他说。”我们认识理事会成员，认识教练。他们喜欢办展览这个想法，所以非常乐意参与。”

这么说来，说服他们是最容易的部分。另外两个问题更棘手。第一个，是单单要把120家俱乐部装进一栋建筑里。”如果你面对的是120家俱乐部组成的格局，又想把它们都拼进展览这块拼图里，那就得反复商量了，”图阿拉说。团队最终的取舍办法，是同时着眼于武术圈的历史与当下，这样就有了选择的方向。

第二个问题是时间，许多文化机构都会对此感同身受。比利时的体育靠的是志愿者。”如果你是从体育部门和文化部门出发去办一场展览，我们是专业人员，所以有时间，”图阿拉说。”志愿者没有时间。他们大多有一份全职工作，只能在业余时间经营一家俱乐部。所以，要在志愿者的空闲时间和办展览之间找到平衡——不是赶进度，而是要有从容的空间——这是个难题。”

透过武者讲述一座城市的故事

工作本身缓慢而细致：先摸清整个圈子的脉络，再坐下来采访人们，问他们是否还留着旧文件、海报、照片，任何能记录各自门派来历的东西。在这个过程中的某个节点，这个项目悄然变成了不只是关于体育的事。

“在重建我们这座城市武术历史的过程中，”阿提亚说，”某种程度上，我们也重建了这座城市的故事。”俱乐部的发展、门派构成的变迁、习练者中谁来谁去的更替——这一切都映照出安特卫普自身是如何变化的。俱乐部也察觉到了。他们”更加意识到了自身、意识到了俱乐部的意义，”他说，”意识到了他们所做之事更深层的意义和价值。”

而最终落脚的地方本身就带有一种宣示意味。MAS是一座颇具声望的建筑，把武术请进来，是一种为它正名的方式。德帕希看到不少观众带着成见而来，又卸下成见而去。”他们看完展览后会说：’哇，我以前不知道。我没意识到这才是武术的精髓。’这种反馈非常令人欣慰。”

八楼的一间练武场

作为项目策划人，德帕希的本能——她说，这源于社会工作的背景——是更看重过程而非结果：建立关系、培养信任、与人们一起而非替他们去构思。这一点在博物馆走出展厅所做的事情里体现得最为明显。

在八楼，MAS开辟了一处运动空间。无论是否为运动而来，观众都可以使用，只有寥寥几条基本规则，以保持空间的开放与亲和，现场还备有拳击手套和踢靶。俱乐部若想真正在此训练，只要事先约定即可。已经有一家这么做了。

“我们已经有一家俱乐部带着一组精选的运动员在MAS组织训练，效果非常好，”图阿拉说。不过有一点要直说。”观众很多，所以会有很多人拍照。你得接受这一点，得喜欢这一点。如果你不喜欢出现在别人的照片里，那可能就有点难了。”博物馆的观景台要乘自动扶梯抵达，而扶梯正好从这处空间旁边经过，德帕希补充道，所以上楼的人一看到有活动在进行，往往会停下来观看。另外已有四家俱乐部提出想试用这片垫子。

对博物馆来说，这一切并非全然陌生的领域。一楼有一处开放舞蹈空间，已经运营多年，久而久之，舞蹈社群也开始找上门来，问能不能在那里办自己的活动。”由他们来掌控活动安排和内容，”德帕希说，”而我们实际上转向了东道主的角色。”她希望与运动空间建立的也是这样的关系：博物馆提供场地和一个宽松的框架——尤其要留意安全——其余的由社群来填充。正如图阿拉爱说的那句话：”有多少人能说自己在博物馆里训练过呢？”

这个问题点出了整件事的特别之处。”这是体育世界与传统文化世界的一次相遇，”阿提亚说。”我们都知道，这两个世界之间有一道鸿沟。所以现在我们看到新的观众群体走进来，比如武者，还有更多的运动员。但与此同时，原本的常客也接触到了他们并不熟悉的故事和背景。”

表演、节庆、学校与政策

公共项目的其余部分也以同样的方式运作，把展览向外推。每逢周日，会有一家俱乐部在八楼做表演——空手道、自由搏击——一开始只是观看的人，往往最后也加入进来。一场与SPARK合办的节庆活动正在筹备中。SPARK是附近一座公园里的户外活动据点，那里武术与滑板、马戏并存，许多俱乐部本就已经参与了这场武术展览。设想是在SPARK办一天、在MAS办一天，部分目的是吸引那些原本绝不会前来的人。团队特意让方案保持开放。”我们不会试图把方案提前定死，”德帕希说。”我们想一起酝酿点子，一起汇集大家的投入。”

此外还有一个学校项目，从四月到十一月，每周二和周四开设入门课。还有一个与RechtTop合作的参与式项目——RechtTop是一家服务贫困青少年的机构——这个项目围绕一个青少年小组展开，由这些年轻人真正想拿这个主题做什么来主导，而不是把一个定好的方案交给他们。在政策层面，Sporting A打算与Vechtsport Platform合作，在安特卫普举办一场大会，让其他地方政府得以学习如何制定自己的武术政策。

哪些奏效了，哪些没有

如果问这三个人从中得到了什么，答案总是绕回到合作本身——文化与体育这两个部门，平时鲜有同桌共事的机会。还有一个更安静的收获。涉及的俱乐部如此之多，从来无法给每一家应得的认可，但展览本身就是一种认可。”通过办一场武术展览，你就是在给予他们认可，”德帕希说。”这是我们已经实现的一个目标，”阿提亚补充道。

并非一切都成功了。德帕希直言不讳：项目中那些更费心力的部分——讲座、更深入的身体训练工作坊——始终没能吸引到自己的观众。”那些较为轻松的活动行得通，但更深入的活动很难拉来观众。我们也不太清楚原因。”而博物馆要充当练武场，能伸展的余地终归有限。八楼没有更衣室。志愿者终究还是志愿者，时间永远不够。

至于图阿拉，他并不为这些欠缺担心。”凭着热情，你能走得很远，”他说。”我们的志愿者都是非常有热情的人，正是凭着他们的热情和干劲，才成功办成了一场了不起的展览。”

拉希德·阿提亚（Rachid Atia，The Heritage Lab / ErfgoedLab）、海伦·德帕希（Hélène De Pagie，Museum aan de Stroom）与贾马尔·图阿拉（Jamal Touala，Sporting A，安特卫普市）在 MuseumNext 博物馆公共项目峰会（Museums & Public Programs Summit）上介绍了 Martial Arts 展览。

佐伊·戈德曼（Zoe Goldman）从未打算成为一名播客制作人。她的专业背景是艺术史，而非新闻或音频制作，她也率先承认自己进入这一领域纯属偶然。”我多少是阴差阳错地进入了播客行业，”她说。如今，她在洛杉矶的盖蒂博物馆（Getty）制作播客，并在那里参与打造了一系列节目，从亲密的档案系列到为儿童创作的剧本化历史虚构作品，应有尽有。

这条偶然的道路使她在某种程度上成了整个行业博物馆从业者的同道中人——他们当中许多人之所以被音频吸引，是出于对自身藏品的热爱，而非任何正规的训练。当戈德曼谈起播客时，话题与其说围绕麦克风和剪辑工作室，不如说围绕一个更根本的问题：您的博物馆究竟该不该做播客？

按下录音键的理由

对戈德曼而言，支持播客最有力的理由是亲密感。播客是一场发生在某人耳机里的一对一对话，地点或在家中，或在车上，而一种更随意、更有人情味的语调在这种环境中最能发挥作用。它也是博物馆走出自身围墙、融入人们日常生活的一种方式。她援引皮尤研究中心（Pew Research Center）的数据指出，播客听众往往是习惯性的，有42%的人每周收听多次。

“要让参观博物馆成为某人日常生活的一部分，恐怕很难，”她说，”但通过播客听到您的博物馆的声音，或许能够轻松自然地融入他们的一天。”

学习是另一大吸引力。皮尤发现，这是人们收听的第二大常见原因，仅次于娱乐，有88%的听众希望从节目中学到一些东西。对于那些以教育为根本宗旨的机构来说，戈德曼认为这是显而易见的契合。与出版书籍或制作专业视频相比，播客的成本也相对低廉，对任何拥有有趣音频素材的机构而言，更是一份馈赠。

音频做不到的事

戈德曼对这一媒介的弱点同样头脑清醒。任何依赖于仔细观看的内容都不太适合，她还指出，即便是视频播客，也往往只被看了一半，在后台播放着，而注意力早已飘向别处。

她还反驳了”人人都是潜在听众”这一假设。播客存在于特定的应用程序和平台上，而许多人根本不使用它们。她的建议是，把您的受众主要设想为那些已经在听播客的人。把不听播客的人转化过来，要比赢得一个已有此习惯、却尚未发现您节目的人困难得多。

接下来是缓慢的增长过程。受众是逐步建立起来的，靠的是口耳相传和反复接触，这使得播客更适合那些愿意长期发布的机构，而非那些只想做几期一次性内容的机构。初涉音频的团队还应预料到一段学习曲线，外加为购置像样的USB麦克风和剪辑软件而支出的不多的启动成本。像Audacity这样的免费工具，以及像Descript这样由AI辅助的选项，正在降低这些门槛，不过戈德曼提醒说，根据文字稿而非声波来剪辑，有时会produce出生硬的剪辑点。

两个想法，两种不同的答案

如果问戈德曼这套思路在实践中如何体现，她会举出盖蒂权衡过的两个提案，二者结果截然不同。

第一个提案来自盖蒂研究所（Getty Research Institute）的策展人，他们想知道近期数字化的档案音频能否做成一档节目。由于版权清理问题，这些磁带难以向公众开放，但它们是非凡的素材，往往是为私人用途录制的，捕捉到了艺术家最坦诚、最脆弱的一面。这种脆弱恰恰正中播客的巨大长处——亲密感。而档案中约有9,700小时的数字及数字化视听内容，足以支撑一档节目运行多年。这个想法最终成了《录音中的艺术家》（Recording Artists），是该机构的旗舰系列之一。

第二个提案是做一档面向内部的播客，通过私人订阅源让员工了解最新动态，但它被否决了。那些本来就不听播客的同事很可能会错过重要更新，而提出这一想法的小组和戈德曼的团队都没有余力去承担。所需投入的时间，根本与预期的回报不相称。

从模糊的概念到具体的愿景

对于那些跨过第一道门槛的想法，戈德曼有一套用得滚瓜烂熟的问题。第一个问题看似简单：受众究竟是谁？她敦促团队要远远超越”喜爱我们博物馆的普罗大众”这种说法，而要详尽地勾勒出一位理想的听众。他们是专家还是新手？年轻还是年长？本地的还是国际的？这种具体性塑造了一档节目的语调和内容，赋予它一种身份认同，并在日后派上用场。当一档播客大获成功、机构里人人都想出镜时，一个清晰界定的受众能给你一个有原则的理由去说是或否。

接下来是规模和频率。这个主题有多大，又能维持怎样的发布节奏？可预期的节奏有助于听众把节目融入自己的日常，也有助于团队管理工作量。这自然引出了产能问题：究竟由谁来真正做这项工作，而这些人手头又有多忙？戈德曼喜欢指出，盖蒂的第一档节目是由一位略有空余时间的办公室行政人员兼职制作的，由该机构积极性极高的负责人担任主持，录音和剪辑则交由一位外部承包商处理。一种较为简单的形式，配上一笔用于聘请帮手的小额预算，并不需要兴师动众。

她还会问，一个想法是否具有时效性，哪些可以外包（几乎一切都可以，只要肯花钱，她还推荐参考独立广播人协会（Association of Independents in Radio）的费率指南来制定切合实际的预算），以及谁是利益相关方。最后这个问题涵盖了所有人——从掌控藏品取用权的策展人，到节目可能助其达成目标、因而或许愿意分担成本的各个部门。

用五年让物件开口说话

戈德曼最喜欢用来说明这一过程的例子，是《假如物件会说话》（If Objects Could Talk），这是盖蒂面向儿童和家庭的第一档播客，经过五年的开发后于2025年秋季推出。最初的构想很宽泛，大致是《博物馆奇妙夜》遇上《玩具总动员》，让艺术品活过来。由于没有紧迫的截止日期，加之她本人的职位一分为二，既要做播客，又要编辑书籍，这个想法慢慢成熟，在其他项目的间隙中得到打磨，与此同时她所在的部门也在不断壮大和变化。

与从事儿童媒体的播客人的交流，塑造了节目的受众定位：研究表明，年龄较小的孩子通常是和父母一起收听的，而父母也负责挑选媒体内容，因此这档节目面向的是十岁及以下的群体，以及陪伴在他们身旁的成年人。负责阐释性内容的同事建议聚焦于特定的展厅，好让家庭能借助这档播客来规划参观行程，他们还指出，古物藏品早就该有些适合家庭的内容了。而由于这一形式要求一个完全剧本化、由配音演员演绎的世界，戈德曼便请来了熟悉儿童内容的外部编剧、配音演员和一位声音设计师，把它好好地构建起来。

先做试播，再下决心

如果有哪个阶段是戈德曼绝不会跳过的，那就是试播。试播以一种低风险的方式，让团队从想法走向实务，凝聚内部支持，并在对外做出任何承诺之前，准确揭示出还缺哪些技能。

她举了一个近期的例子：一档与身心健康相关的节目，定于今年夏天推出，源自馆内的一次现场体验。第一版试播试图原封不动地复制那次体验，却在试听者那里反响平平。他们关于自己究竟想听什么、又想在什么时候听到的反馈，促使团队回过头去重新构建概念并重新录制。第二版则提供了进入全面制作所需的概念验证。

最难的部分：找到听众

一档节目推出之后，戈德曼认为最困难的工作才刚刚开始。她的出发点是回到那位精心设想出来的听众身上，到他们已经身处的地方去，无论是社区团体、电子邮件简报，还是展厅里的标识。由于现有的播客听众是最有可能被转化的人群，其他节目也就成了一条关键渠道——通过付费广告、广告互换，或是作为嘉宾出镜。

但她认为，博物馆相对于独立播客人所拥有的秘密武器，正是机构本身。当盖蒂在其每周的电子邮件简报中推广新一期节目时，网站流量会明显上升，触及那些从不通过播客应用订阅的人。把这档儿童节目放在一个关于家庭参观的网页上，而非通常的推广位置，如今为该播客带来了约九成的……更正：约占该播客整体网站流量的约百分之九。

她临别的建议是，对发布当天的期望值要放低。此时还没有订阅者，而增长需要时间。不过对博物馆来说，这一点的影响不像看上去那么大。许多内容都是常青的，因此增长缓慢只不过意味着，当听众真正找到您时，会有一份更丰富的往期内容库在等着他们。

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佐伊·戈德曼在近期的博物馆数字峰会（Museum Digital Summit）上分享了她在盖蒂开发播客的经验。

当阿根廷国家美术馆向一个算法、一个啤酒品牌和一个无人能够确切回答的问题敞开大门时，最终诞生的是这家博物馆历史上最受欢迎的互动体验。

站在彼得·勃鲁盖尔的《农民的婚礼》前，你会看到宾客满座，金黄色的酒液盛在陶罐和酒杯中，在拥挤的餐桌旁传来递去。你无从知晓、也没有人能够知晓的是：他们喝的究竟是什么。然而，根据一个在布宜诺斯艾利斯开发的算法，这杯酒有78%的概率是一杯时代啤酒（Stella Artois）。

这个看似离奇的数字，正是”The Artois Probability”（时代概率）项目的核心。该项目由时代啤酒、创意代理商GUT布宜诺斯艾利斯与阿根廷国家美术馆联合打造，试图回答一个数百年来一直摆在世人眼前的艺术史谜题：这个品牌的酿造传统可以追溯到1366年的鲁汶，那么，欧洲名画中描绘的酒水——那些马奈、梵高和勃鲁盖尔的作品里的酒——究竟有多大可能就是一杯时代啤酒？

“我还记得接到那通电话，他正在向我推介这个想法，”博物馆之友协会 Museo Nacional de Bellas Artes 的马里亚诺·吉尔莫（Mariano Gilmore）回忆项目缘起时说，”我问他：’你确定我们能追溯到吗？’他回答：’可以，用人工智能就能做到，但我们必须输入准确的数据。'”

数百年的等待，数周的数据比对

这个项目的前提源于品牌历史上的一个有趣事实。后来发展为时代啤酒的Den Hoorn酿酒厂于1366年在比利时鲁汶开业，此后的几个世纪里，它的啤酒逐渐遍布欧洲大陆——而正是在同一片欧洲、同样的几个世纪里，那些艺术大师们在不停地作画。团队由此推断：在那成千上万幅酒馆场景和婚宴图景中，几乎可以肯定有时代啤酒的身影。问题在于如何证明。

确定的答案无从获得，于是团队转而求助于概率。他们以品牌的历史档案为基础，开发了一个将艺术史与酿酒厂记录进行交叉比对的算法。超过3000幅画作按照一系列变量接受了分析：作品的创作年份、地理位置、酒液的颜色，以及最具说服力的一项——盛酒容器的形状。皮尔森式酒杯中的金黄色颜料说明一种可能，粗陶罐中的深色啤酒则指向另一种可能。这些数据随后又与酿酒厂在各个时期的分销记录进行比对，甚至连同一地区竞争酒厂的存在也被纳入考量。

“地理位置指的是艺术家的画室离酿酒厂有多近，”吉尔莫解释道。在其中一个案例中，团队发现一位艺术家就住在距离酒厂仅五个街区的地方。”所以我们想：他当然喝过这种酒。”

每幅画作最终都获得了一个百分比，表示画布上的啤酒是时代啤酒的概率。GUT的执行创意总监拉米罗·罗德里格斯·加马略（Ramiro Rodríguez Gamallo）和马蒂亚斯·拉法亚（Matías Lafalla）在接受Contagious杂志采访时表示，这是一场诚实的营销：品牌承认自己无法确定，只是它存在的时间足够长，长到让这个问题值得一问。

从算法走进美术馆展厅

这本可能只是一场巧妙的平面广告，但当阿根廷最负盛名的美术殿堂——国家美术馆同意将其引入展厅时，项目变得更具雄心。2023年4月，观众受邀使用一款增强现实网页应用扫描馆藏原作，应用会实时叠加显示每幅画作的”时代概率”得分，以及支撑这一得分的全部数据。

公众的反应连主办方都始料未及。展览期间约有24000名观众使用了这款应用，创下该博物馆的纪录；整个营销活动产生了728万次曝光，触达670万独立用户。该项目随后斩获2023年戛纳国际创意节”创意数据”类全场大奖，以及”平面与出版”和”户外”两个类别的金狮奖，并于2024年再获克里奥金奖。

不过，团队更愿意谈论这些数字背后的意义。”这不是广告，这是一座桥梁，”吉尔莫强调，”一座连接博物馆世界——也就是我们每天的工作——与博物馆之外真实生活着的人们的桥梁。在这个项目里，他们就是喝啤酒的人。”

用全新的方式看同一幅画

Furor Studio的胡安·谢拉戈夫斯基（Juan Szelagowski）执导了项目影片，并提供了技术上的构想。同事们亲切地称他为团队里的”人工智能狂热分子”——早在如今这股人工智能热潮兴起的两年之前，他就看到了将这个想法变为现实的工具已经存在。用吉尔莫带着笑意的话来说，那时的技术以今天的标准衡量还很”简陋”，很大一部分必须从零开始搭建。但在团队看来，这反而让这项成就更加难得。

“我们实际上是这个新时代的先锋运动，”吉尔莫说，”这是前人没有做过的事情。而只有把不同领域连接起来，我们才能实现它。”

国家美术馆之友协会的创意内容制作人卢斯·阿里亚加（Luz Arriaga）认为，这个项目展示了当博物馆不再一味守护藏品、而是开始与藏品”玩耍”时会发生什么。扫描过勃鲁盖尔、争论过概率得分的观众，再看这幅画时的眼光，已经不同于去年从画前匆匆走过的人。画作变成了一份日常生活的文献，记录着贸易路线、酒馆文化，以及六个世纪前普通人杯中的饮品。

“人工智能是一件强大的工具，能够模糊艺术、科学与我们自身之间的界限，”阿里亚加感慨道，”也是博物馆在不同社群之间架设桥梁的有力工具。”

当被要求用一个词概括整个项目时，吉尔莫毫不犹豫：概率。”我们不知道它会不会成功，也不知道它会获奖。我们只是有了这个想法，然后尽我们所能、尽技术所能把它推到最远。这是一个被我们变成了鲜活现实的概率。”

下一次，当你站在一幅笔触细腻的酒馆场景画前，恐怕很难不去琢磨桌上那只酒杯里装的是什么。而这，当然正是这个项目的初衷。

本文基于卢斯·阿里亚加（国家美术馆之友协会）、马里亚诺·吉尔莫（Amigos del Bellas Artes）与胡安·谢拉戈夫斯基（Furor Studio）在MuseumNext大会上的演讲撰写。演讲介绍了”The Artois Probability”项目——由时代啤酒、GUT布宜诺斯艾利斯与布宜诺斯艾利斯国家美术馆联合呈现。

当大多数机构谈论将人工智能引入教育时，惯常的做法是把工具直接交到学生手中，再看他们能做出什么。维多利亚与艾尔伯特博物馆（Victoria and Albert Museum）却反其道而行。面对如何把人工智能融入学习项目这一问题，博物馆的”学校与学院”团队做出了一个深思熟虑的决定：从教师入手。

正如团队负责人戴维·休斯顿（David Houston）在博物馆人工智能峰会（Museum AI Summit）上所解释的那样，这一思路源于对现实的清醒审视。无论人们是否准备好，人工智能都已经进入了学校。而团队从教师那里反复听到的，是一幅参差不齐的图景。有些教师用得游刃有余，将其融入备课和课堂实践；另一些教师则既没有时间、也没有信心去接触它，哪怕只是一点点。这一切的背后，还潜藏着一个获取机会的问题：有些学生在家里就拥有性能强大的设备和工具，另一些学生却几乎一无所有。与其试图在博物馆里去复刻这种鸿沟，团队选择去支持那些必须同时面对一整间教室的孩子、并为这一切赋予意义的人。

有信心并不等于真正理解

有一种说法颇为顺耳：在人工智能方面，学生走在了教师前面。从某个狭义的角度看，这确实没错。许多学生知道该用哪些工具、如何输入提示词、如何快速得到结果。但正如休斯顿所言，能够生成某样东西，并不等于理解它。何况，学生的许多使用行为都是在毫无约束的情况下进行的。

与此同时，教师却被要求迅速做出回应。学校正在制定关于人工智能使用的政策，而本应执行这些政策的教职员工，自己还在摸索人工智能究竟是什么。休斯顿认为，这道鸿沟其实无关知识，而关乎信心、理解，以及究竟该如何在课堂上切入这个话题。

要让一个学习团队独自扛起这一切，未免强人所难；博物馆也坦承自己并非这方面的专家。于是，它围绕两位真正的行家来开展这项工作。

一场把人工智能视为材料、而非神谕的驻留

这是 V&A 与 Adobe 合作开展创意驻留项目的第三年，该项目由 Adobe 基金会支持，是一项为期五年的合作的一部分。每一年，博物馆都会让三位艺术家融入其学习项目，他们在直接与学校、家庭和青少年合作的同时，也发展自己的创作实践，并以馆藏作为创作的起点。今年，艺术家玛丽亚·谭（Maria Than）加入了”学校与学院”团队，其驻留主题聚焦于人工智能与数字世界。

谭是一位跨领域的艺术家、设计师与教育者，她切入人工智能的方式，与人们惯常听到的那种夸夸其谈截然不同。她将创意人工智能与增强现实、实体计算、动态影像、插画和数字设计结合起来，常常用以讲述与越南及藏传佛教相关的故事，以及那些远离故土、漂泊在外之人的经历。作为驻留的一部分，她还在追寻一个真实的谜团：”净土”数字图像的源头——这些图像挂在许许多多亚洲家庭的居所、寺庙和餐馆里，对整整一代东南亚移民而言一望即知，却出自无人叫得出名字的艺术家之手。

对课堂而言，真正重要的是她所带来的理念。谭正在撰写一份人工智能宣言，列出一套供自己据以创作的价值观与准则，其灵感源于佛教原则：让自己的工作过程保持透明，并把用心与意图置于最终成果之上。她为”慢人工智能”（Slow AI）这一理念所吸引——它是对硅谷那种追求速度、规模与利润之惯性的一种制衡，精神上与慢时尚和慢食运动一脉相承。这种取径回望传统、历史，乃至过往的失败，并刻意为那些我们听得太少的声音留出空间，呼应了社会学家鲁哈·本杰明（Ruha Benjamin）的那句呼吁：去想象那些我们离不开的世界，同时拆解那些我们无法生活其中的世界。

尤为关键的是，谭并不把人工智能当作一个可以把思考托付给它的虚拟助手。她把它视为艺术家的材料或工具——是在观察、思考与绘画都已完成之后，怀着意图去取用的东西。她说，速写永远是她的起点：正是借此，她把抽象的东西化为一个想法的”骨架”，而后任何工具才得以靠近。

打造”教师庇护所”

为了把这一切转化为切实有用的东西，博物馆把谭的实践与课堂的现实结合起来，请来了特鲁迪·巴罗（Trudi Barrow）。她曾任设计与技术学科的科组长，是在自己的教学中很早便采用人工智能的先行者，并一直致力于以负责任的方式将其引入课堂。谭作为从业者的视角，加上巴罗在一线积累的宝贵经验，为教师们提供了一个可以信赖的声音。

当大门为一场三小时的研习敞开时，那种茫然无措格外醒目。教师们被要求从抄袭和可接受使用的角度去思考人工智能，却往往缺乏足以从容应对的知识基础。休斯顿指出，（英国）教育部（Department for Education）已经发布了详尽的指南，但大多数教师既没有预算、也没有时间去寻找与课堂真正相关的专业进修机会。因此，这场研习以博物馆的馆藏为跳板，引向一种教师回到学校后能够真正用得上的人工智能。

种种担忧纷至沓来，而且都很真切：对创造力的冲击，人工智能”流水货”所带来的同质化效应，对人类判断从此在学生步入职场时的评估方式中消失的真切恐惧，以及这项技术的环境代价。

把”黑箱”画出来

这场研习并非从一件工具开始，而是从一支笔开始。

教师们被要求画出他们心目中”人工智能黑箱”内部正在发生的事情——那是个未知的空间，软件在里头做着它该做的一切。这个练习偏重情感，而非技术。有些画面满是焦虑：混乱、所有权的丧失，其中一幅画的是一个漫画式机器人，正抱着一大袋数据逃之夭夭。另一些则温和得多，画着云朵和把各种图案彼此相连的箭头。还有少数纯属异想天开，连小狗都画上了——这是一种坦诚的承认：我们常常以非常戏谑的方式使用着十分强大的软件。

由此出发，团队得以拆解人工智能究竟是什么：它并非思考，而是基于人工标注的数据进行的模式识别。他们向教师们讲解了”潜在空间”的概念——人工智能如何把图像和想法转化为一组组数字，把相似的事物彼此就近放置，再在收到提示词时穿行于这些关系之间，从而生成某种新的东西。休斯顿说，给这个”黑箱”祛魅，驱散了在场许多人心中的那份恐惧。

当传统藏品遇上数字世界

接着便是那个显而易见的问题：一座传统的博物馆和它那些极为传统的藏品，又该如何融入这一切？团队拿出了它手中堪称最传统的藏品来作答——雕塑展厅里的那些雕像。

教师们用手为一件打动自己的雕塑画下速写，而这些速写便成了 NewArc、TouchDesigner 等”图生图”工具进行迭代的种子。也正是在这里，巴罗提出了一个值得记取的理念：创作的忠实度（creative fidelity）。其原则在于，人工智能应当忠实于学生最初的构想。它回应想法，而非覆盖想法。人类的构想保持完整，是工具服务于它，而非反过来。

三小时里发生的转变

整场研习中的那种转变，显然最令两位讲者动容。一开始，人们对人工智能可能给创造力、给学生的创作身份感带来的影响心存犹疑，甚至忐忑。到了最后，取而代之的却是乐观、纷涌的想法和不少笑声——教师们彼此交流着周一早晨的教学计划，从为讲故事的环节生成人物角色，到搭建供学生在其上继续发挥的起点。

谭也感受到了这一点。她说，在那个人工智能实时演示台前，教师们的劲头一发不可收拾，这是最好意义上的”停不下来”：尝试各种素材，把想法推得更远，把自己的画作输入进去，看看会得到怎样的回应。她在其中认出了自己——那种当一种全新的工作方式向你敞开时油然而生的、近乎布道般的、对知识的热切渴求。她揣测，真正起作用的，是展示了与这些工具协作的多种不同方式，并让绘画与动手制作贯穿始终，从而使技术显得只是众多选项之一，而非舞台上唯一的主角。

教师真正需要的是什么

团队一再重新领会到的一点是：教师并不需要更多的”工具包”。他们需要的是时间、空间和框架，去摸索如何把这一切运用到自己的课堂之中。他们是投入的，只是需要支持，好把思考转化为实践。

对有特殊教育需要的学生而言，这里同样蕴含着真切的希望。休斯顿提出，人工智能能够增强他们在创作和原型制作方面的信心，提供一条通往观感专业的成果的路径，从而消解一部分”我的想法够不够好”的焦虑。

谭则审慎地在这份热忱旁，保留了一个诚实的制衡之声。人工智能并不中立。这些工具由人制造，由人的决定塑造，背后是大量往往不为人所见的劳动——V&A 馆藏中的一本小册子《人工智能系统剖析》（Anatomy of an AI System，凯特·克劳福德（Kate Crawford）、弗拉丹·约莱尔（Vladan Joler）及其合作者著）正彰显了这一点，它揭开了一台小小的智能音箱背后所凝结的人力、能源与资源。她主张，理解这一点，本就是理解这些工具本身的一部分。

博物馆在此为何依然重要

休斯顿提出，当学生懂得比教师多时，真正的问题并不在于学生走在了前面，而在于我们所说的”懂”究竟是什么意思。能够生成某样东西，并不等于理解它，也不等于知道在哪些场合该用、哪些场合不该用。他认为，恰恰是在这里，教师和博物馆依然举足轻重：不在于追赶节奏，而在于帮助每个人慢下来，慢到足以去读懂这些工具。

博物馆不得不在更大的尺度上面对同样的问题，包括：当产出并不总是可以预料时，如何与公众安全地使用人工智能；以及如何打造一种真正属于这座博物馆、这批馆藏的人工智能呈现方式。它迄今给出的答案，包括邀请人们在其全国性中小学竞赛”V&A Innovate”中提交借助人工智能完成的作品，编制面向教师的资源，并举办一场线上讲座，让学生亲眼看到谭的创作实践。

两位讲者都强调，自始至终未曾改变的，是那个重心所在：创造力、意图与批判性思维。重要的不是人工智能将为我们做些什么的种种许诺，而是去弄清如何把它用好——那是一桩更慢、也更诚实的工作。

本篇博客文章基于戴维·休斯顿（David Houston，V&A “学校与学院”团队负责人）与玛丽亚·谭（Maria Than，V&A Adobe 驻留艺术家）在博物馆人工智能峰会（Museum AI Summit）上的一场演讲。

在爱尔兰的中心地带，各个社区正携手守护他们的遗产，不仅为了今天，更为了世世代代。走在这一运动前沿的是爱尔兰社区档案网络（iCAN），这是一项为社区提供平台的倡议，让社区能够通过数字化归档来记录他们共同的历史、文化与身份认同。通过促进当地志愿者与国家遗产机构之间的联系，iCAN正在帮助保护一座常被忽视的知识宝库：那些构成爱尔兰生活脉络的记忆、记录与故事。

在近期一场名为《社区归档：我该从何入手？》的MuseumNext演讲中，iCAN网络管理员哈桑·达巴格（Hassan Dabbagh）强调了社区参与对保护当地遗产的重要意义。这场演讲汇集了来自爱尔兰各地不同社区团体的声音，每个团体都分享了他们的工作如何在iCAN的支持下得以转变。

当博物馆与社区携手保护过去时，会发生什么？

iCAN是由爱尔兰国家博物馆牵头、与爱尔兰国家遗产机构遗产委员会（Heritage Council）合作开展的一项倡议。该项目旨在为志愿者主导的社区团体提供数字化当地资料、建立数字档案所需的工具、培训与资源。这些档案不仅是过去的藏品，更是实时记录社区的鲜活资料。

iCAN的使命是赋能社区保护他们自己的故事，这不仅惠及当地居民，更惠及全世界的爱尔兰人。正如达巴格在演讲中所解释的：”归档无关过去。归档关乎未来。”通过创建数字档案，社区能够确保后代得以获取这些珍贵无比的日常生活记录。

iCAN工作的核心在于它与当地团体的合作，这些团体包括克莱尔卡斯尔与巴利亚遗产与野生动物组织（Clarecastle and Ballyea Heritage and Wildlife Group）、卢伊斯堡基林遗产组织（Louisburgh Killeen Heritage）以及奥赫特拉德遗产组织（Oughterard Heritage）。这些团体每一个都创建了一个数字空间，让各自社区的故事得以保存并与世界分享。

赋能当地社区：志愿者在保护文化遗产中的作用

志愿者是iCAN的命脉，他们的奉献精神在所取得的成果中显而易见。以卢伊斯堡基林遗产组织为例，玛丽·奥马利（Mary O’Malley）在演讲中分享了他们的故事。奥马利详细讲述了她的社区如何像许多其他社区一样，在寻找记录和分享其丰富历史的方法。在没有任何技术基础的情况下，奥马利和她的志愿者伙伴们报名参加了iCAN的培训项目，掌握了创建自己数字档案的技能。

“我们得以推出自己的遗产网站，在那里我们不仅可以记录和归档资料，而且世界上任何与卢伊斯堡基林有任何联系的人都可以为我们的档案做出贡献，”奥马利解释道。这种包容性是iCAN愿景中至关重要的一环，因为它使社区能够超越地域界限，邀请散居海外的同胞参与到他们的遗产之中。

该团体最重大的成就之一是将《安·昆尼尔》（”An Coinneal”）数字化，这是爱尔兰最古老的教区杂志。该杂志于1959年由利奥·莫拉汉神父（Father Leo Morahan）创办，记录着教区的生活与文化。通过iCAN网络，杂志的早期版本——此前一直无法获取——如今已被扫描并在线提供，为后代保存了下来。奥马利强调了这项工作的价值，指出被保存下来的不仅是社区的故事，还有那些如今在社区中重新流传起来的古老爱尔兰语词汇。

克服技术挑战

尽管数字化归档的技术层面看似令人望而生畏，iCAN确保社区获得成功所需的支持。来自克莱尔卡斯尔与巴利亚遗产与野生动物组织的埃里克·肖（Eric Shaw）讲述了他的团队起初如何面对一堆不断增多的记录而束手无策，不知该如何为未来保存它们。iCAN提供了答案。

2019年，肖的团队受邀加入iCAN的一个试点项目，在那里他们接受了如何创建社区网站并上传档案资料的培训。”对我们来说，这是一份喜悦，是天赐的礼物，”肖回忆道。在iCAN提供的培训和资源帮助下，该团体开始将他们的记录数字化，包括教会学校记录、墓地记录和老照片。这些资料如今都可以在线检索，让当地居民和访客都有机会追溯他们家族的历史以及他们曾经生活过的地方。

肖还着重提到了iCAN在处理更复杂技术任务方面所提供的支持。他解释说，该团体如何与iCAN密切合作，上传与当地房产记录相关的地图、电子表格及其他补充文件，确保这些资料便于获取、易于查阅。

“我不是技术人员，”肖坦言，”但我能学会怎么做。我可以在一段时间内成为专家。”他对学习的执着以及iCAN对持续支持的承诺，造就了一个不断成长的项目，使克莱尔卡斯尔与巴利亚社区能够为后代保护自己的历史。

赋能当地团体记录并保护他们的故事

iCAN成功的一个关键要素，在于它促进社区之间知识共享的方式。在新冠疫情期间，该倡议通过提供线上培训进行了调整，由此催生了iCAN Champions（iCAN骨干）项目的创立。这些”骨干”是承担起领导角色的社区成员，他们分享自己的技能，帮助他人应对归档工作的技术层面。

来自奥赫特拉德遗产组织的安托瓦内特·莱登（Antoinette Lydon）谈到了这个项目如何赋能她的团体。奥赫特拉德的项目始于扫描老照片并将它们添加到网站上，但很快就扩展到包括GPS标记的墓地和扫描的纪念卡，这一切都得益于iCAN的指导。

莱登在Champions项目中的经历表明，iCAN的协作理念如何超越工作人员，延伸到社区自身之中。”Champions的核心理念就是分享知识，并把事情变得非常、非常简单，”莱登解释道。通过同伴间的相互学习，社区受到鼓励去克服他们所面临的任何障碍，并为归档工作的挑战寻找富有创意的解决方案。

展望未来：为后代而做的社区归档

正如达巴格在演讲结尾所言，iCAN的工作远不止于保护过去——它关乎守护未来。”你无法向前展望去把这些点连接起来，”达巴格引用史蒂夫·乔布斯的话说道，”你必须回头看才能把这些点连接起来，而且你必须相信这些点会在你的未来连接在一起。”

这一信念正是iCAN使命的核心。通过归档爱尔兰社区的日常生活，这个网络确保后代能够理解他们从何而来，进而明白他们将去向何方。随着社区不断成长与演变，iCAN始终相伴左右，帮助他们在数字时代保护自己的故事。

如需了解更多关于爱尔兰社区档案网络的信息，并探索通过iCAN保存下来的故事，请访问www.ouririshheritage.org。

本文最初发表于MuseumNext。

梵高博物馆开发了一项人工智能功能：它会为每位观众匹配一幅画，并讲述一个属于他们的故事，解释为什么彼此契合。观众非常喜欢。可随后，团队面临了一个抉择。

在不久前举办的”博物馆人工智能峰会”（Museum AI Summit）上，来自阿姆斯特丹梵高博物馆的两位成员——教育策展人约莱因·范·克雷格滕（Jolein van Kregten）与数字教育产品经理芬妮·德·贝尔（Fenne de Beer）——介绍了一个她们显然倾注了大量心血的试点项目。这是一个关于如何在博物馆中运用人工智能的好故事，而它的结局并不在你的意料之中。

创意：与一幅画来一场”盲约”

这个想法源于一种任何博物馆教育工作者都不会陌生的无奈。人们在展厅里穿行，瞥上一眼，拍张照片，便走开了。他们并没有真正地观看。而观看——放慢脚步、带着一点背景知识地去看——正是让一幅画从背景墙变成令人难忘之物的关键。

范·克雷格滕把自己形容为一名”造桥者”，她的工作就是把人与艺术连接起来。比起大多数艺术家，梵高让这件事更容易。正如她所说，他拥有流行巨星般的地位。人们想要走近他，也常常在他的人生故事里看到自己：与父母紧张的关系、对一份有意义的工作的长久追寻、复杂的感情生活。再加上那些以色彩和可辨题材闻名的画作，可供发挥的空间很大。

于是问题变成了：能否根据一个人是谁，把这位观众与某幅特定作品匹配起来，再讲述一个属于他的故事，说明你们二者为何契合？

这个想法在抽屉里搁置了多年，只因为它实在难以实现。靠人工去做，意味着纸质问卷、由讲解员逐一解读每位观众的回答，再当场拼凑出一条量身定制的微型导览路线，而且这一切都得在合理的时间内完成。根本行不通。是生成式人工智能最终让它变得可行。有了赞助商（三星）、一家软件公司合作伙伴（Newz），再加上博物馆原本就有的语音导览作为基础，团队万事俱备。

“约会”是如何运作的

团队从内容入手，而非技术。她们梳理出贯穿梵高一生与创作、且至今仍能引起当代观众共鸣的主题——自然、宗教与灵性、休闲、心理健康——并围绕这些主题设计了一份问卷。

在最终版本中，观众要回答从随机抽取的三个主题里选出的九道问题。你如何放松？你去哪里度假？你如何面对新的挑战？都是些平常的问题，目的是从展厅里的这个人身上获取一些真实的东西。

喂给人工智能的”配方”包含三种原料：观众的个人信息、关于作品及艺术家的经核实的事实，以及从梵高某封书信里摘出的一句话，用以增添情感分量。这样的组合足以让模型提出一个匹配方案，并写出一个简短而私人的故事，把观众的回答与眼前的作品联系起来。

亲自试用的德·贝尔被匹配到了《纽南的教堂》——一幅她说自己原本不会选择的画。在回答中，她谈到了观看世界的新方式、谈到终结如何通向新的开始、谈到自己常在海边独自长途散步时梳理情绪。那个故事把这些线索织进了画里，于是她开始在一幅本会与之擦肩而过的作品中，注意到其中的过渡与静默的变化。她承认，那确实像是一场约会。

难点：既忠于事实，又不沦于枯燥

对于任何用人工智能做开发的人来说——无论是否身处博物馆——有意思的地方正在于此。

梵高博物馆是一所知识机构。互联网上关于梵高的文字浩如烟海，其中相当一部分并不准确，尤其是涉及他内心世界的部分。让模型在网络上自由游荡、就他的情感即兴发挥，是绝不可行的。

于是团队对模型加以约束，把它限定在可信的来源之内，比如博物馆自己的藏品目录条目。这奏效了：输出是准确的。但用她们自己坦率的话说，它也有点枯燥、有点平淡。这便是那句话里的张力所在：放开人工智能，你能获得创意，却有误读其人之险；勒住它，你能获得准确，却失去了语气与共情。整个项目，她们都困在这个尴尬的中间地带。

让真实观众来测试

她们没有靠猜测，而是付诸检验。在为期两周的时间里——第一周与第二周之间还做了些小调整——她们把这项功能提供给那些已经体验过常规语音导览的观众。约有 400 名观众去”约了会”，随后填写了一份简短的问卷，其中既有开放式问题，也有封闭式问题，为团队带来了量化数据与文字反馈。

她们先分析了冷冰冰的指标——流失率、填写问卷所花的时间、总体使用情况——然后才转向更微妙的部分：人们是否喜欢，是否觉得与艺术更亲近了。

人们确实喜欢。他们尤其喜欢能更好地体会文森特的所感所想，并与自己的回答交织在一起。约有 70% 的人认为这项功能有趣而吸引人。

但有一项结果不如团队所愿。观众并未真正感到与画作之间产生了更深的连接：只有约 55% 的人表示有这种感受。这正是出人意料之处。整个赌注都押在这样一个设想上：把一个人的兴趣与画布上的种种意象匹配起来，便能加深这份联结——可数据并不支持这一点。

迫使团队作出裁决的那个框架

为判断这个试点是否值得拥有未来，团队动用了产品管理领域的一件经典工具：DFV 模型。它的三个传统维度是合意性、可行性与可持续性（英文为 desirability、feasibility、viability），产品创新就位于三者交汇之处。梵高博物馆又加上了第四个：责任。

以下是这个试点大致的得分情况。

合意性：尚可。约 70% 的观众觉得有趣，但事后只有约 55% 的人感到与作品有了更深的连接——不错，但谈不上脱胎换骨。

可行性：它暴露了前文所述的那个核心张力。技术上能做的事很多，但一所知识机构必须让模型保持可靠，而控制越严，故事就越缺乏惊喜。

可持续性：那个沉默的难题。像这样的人工智能项目不仅建造起来昂贵，维护起来同样昂贵。生成内容、维护系统、监控输出、更新体验，都是持续不断的成本，这意味着它给观众带来的价值必须高到足以无限期地证明这些投入的合理性。

责任：它同样亮起了警示灯。观众对自己的数据心存疑问，还有几位在开放式回答中表示，他们原本期待的是更具教育意义、而非更像噱头的东西。

决定

把这一切汇总起来，没有哪一项得分格外出色。而接下来这一步，是大多数团队不会走到的：梵高博物馆决定不再继续。

请停下来想一想。一项前所未有的功能。一位顶级赞助商。数百名真心喜欢它的观众。十人之中有七人觉得有趣。许多机构会读着这些数字、宣告胜利，然后把产品推向市场。不止一个人会主张，70% 的认可率就是成功。

团队却另有看法。她们可以打磨那些故事，但再好的输出也永远无法解决反复产生的成本，也无法解决那些悬而未决的隐私问题。而一项仅仅有趣的功能——连接只到一半、维护成本高昂、在数据问题上含糊不清——还不足以配得上世界上访问量最高的艺术博物馆之一的名号。于是，她们放弃了它。

范·克雷格滕没有掩饰自己的感受。”心都碎了，”她说。说了两遍。

这才是这里真正的故事，它比任何对人工智能的巧妙运用都更为难得。能够审视一个在多数人眼中堪称成功的结果，却说出这很好，可”好”还不够——这正是人们对一所机构的期待，而这所机构的使命，正是守护人们如何去理解一位复杂而又屡遭误读的艺术家。

她们临别的建议很实际：如果你正打算做类似的事情，请及早引入像 DFV 这样的模型，赶在你爱上这个想法之前，好让自己押注于可持续的东西，而不只是令人兴奋的东西。

那场约会很美。她们只是不愿在那并非爱情时，把它称作爱情。

当博物馆不再为人们设计，而是开始与人们一起设计时，会发生什么？

在新加坡国家美术馆，这一转变重塑了项目的创建方式、艺术的体验方式，以及包容性如何成为博物馆日常生活的一部分。其成果是一种其他机构开始借鉴的模式——不是因为它华而不实，而是因为它确实有效。

在博物馆与公共项目峰会上，新加坡国家美术馆社区与无障碍部门副总监Alicia Teng和经理Loretta Lim分享了他们的做法。

这不是一个关于提供帮助的故事，而是一个关于建立信任的故事。它始于一个问题：人们真正需要什么？

改变了方向的计划

一位捐赠者找到美术馆，希望提供一个善意的项目，通过提供免费交通来帮助学童参观。但当团队更仔细地审视这一提议时，他们注意到一些意想不到的情况——许多学校已经拥有他们所需的支持。

于是，他们退后一步，询问社区缺少什么，并认真倾听。

这一方法上的转变带来了新的关注重点：服务不足的群体，如外来务工人员、长者、神经多样性和残障访客，以及面临参观障碍的家庭。美术馆使用了同样的工具——资金、交通、规划——但将与捐赠者的合作引向了新的方向。区别在于向正确的人提出了正确的问题。

与人共创，而非为人设计

美术馆采用一个名为CARES的框架——能力建设（Capability Building）、倡导（Advocacy）、研究（Research）、参与和代表性（Engagement & Representation）以及可持续性（Sustainability）。这是一个扎实的结构。但赋予它意义的是其背后的理念：没有我们的参与，就不要替我们做决定。

以下是这一理念在实践中的样子：

1. Gallery Wonders（美术馆奇境）

这一项目曾以学校为重点，后来与社区团体一起重新设计。如今它包括量身定制的参观，并考虑了各种无障碍因素，如语言、提供安静空间，以及经过培训能满足各种需求的志愿者。

在疫情期间，美术馆推出了直播导览，至今仍然提供，以支持那些无法亲自前来参观的访客。交通支持也扩展到包括液压货车运输，使用轮椅的项目参与者可以舒适地往返美术馆。这些变化使得有行动障碍的参与者（如脑瘫儿童和此前无法参加的长者）的参与人数有所上升。

2. Art With You（与你共艺）和安静室

对失智症友好的Art With You项目是一个循证项目，由失智症护理专家、护理者以及失智症患者共同提供意见而创建。安静室是为回应神经多样性访客的需求而开发的，他们指出需要一个感官友好的设施，在展厅中感到不堪重负时能为他们提供支持。

这两项举措都以同样的方式开始：询问受影响的人什么能提供帮助——然后围绕这些答案进行建设。

3. HOLD系列

美术馆与Beyond Vision International合作，共同开发了面向失明和视障访客的HOLD（动手学习与发展，Hands-On Learning and Development）系列。艺术作品被重新构想为多层次的触觉形态，并配以音频描述导览。

反馈塑造了项目的每一个部分。正如一位参与者Melissa Yeo所说：

“这让我不仅能通过声音，还能通过触摸来’看见’艺术作品。”

美术馆没有臆测人们的需求——而是进行测试、调整，并邀请用户参与整个过程。

共同成长

美术馆的做法也延伸到了自身之外。通过与博物馆圆桌会议（Museum Roundtable，一个由新加坡50多家公立和私立博物馆组成的联盟）合作，他们与联盟中感兴趣的博物馆成员分享了触觉诠释资源。目标很简单：在整个行业建立包容性，而不仅仅是在一家机构内部。

博物馆可以借鉴什么

新加坡国家美术馆带来的最大启示是：当包容性与社区共同构建时，它会更加强大。

项目更具相关性。访客感到被看见。团队学习得更快。机构也变得更具响应力和韧性。

想让包容性成为你核心工作的一部分？从这里开始：

在提供解决方案之前先提问

尽早并经常让社区参与

将反馈视为设计过程的一部分

专注于长期关系，而非快速修补

分享行之有效的做法，让他人受益

包容性并不需要更多资源，而是需要一种不同的心态——一种植根于协作的心态。

而这正是真正变革开始的地方。

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新加坡国家美术馆社区与无障碍部门副总监Alicia Teng和经理Loretta Lim在2025年博物馆与公共项目峰会上发表了演讲。

想象你身处一家养老院。日子彼此交融，难以分辨。偶尔有了交谈，也总是重复的内容。外面的世界仿佛遥不可及。再想象一座博物馆来到你身边——它的故事、文物和文化分量，直接送到你的门前。

这正是英国蒂斯河谷博物馆群（Tees Valley Museums）发起的”博物馆走进养老院”项目背后的理念。但在这一温暖人心的设想之外，假如它不只是一件锦上添花的好事，而是一项真正可衡量的、对抗孤独的干预措施呢？

被忽视却最有收获的受众

大多数博物馆的参与策略都聚焦于儿童和家庭。老年人，尤其是住在养老院里的老人，往往被视为，怎么说呢，过去。”有什么意义？他们又不是我们的未来，”据说一位博物馆从业者曾这样说。

但有意思的地方恰恰在于注意力的经济学：博物馆能在提升幸福感方面发挥关键作用。接触艺术、历史与文化并非只是被动的体验——它能唤起记忆、激发喜悦、抵御孤立。忽视年长的受众，博物馆便有可能错失提供有意义的、具有疗愈作用的互动的机会。

让藏品成为对话的开端

这项活动不只是把漂亮的物件送进养老院。它的设计核心在于互动——运用心理学、记忆激发与多感官参与，创造真实的影响。其中一些最有效的策略包括：

• 有目的的活动包： 这些可不是寻常的宣传册。里面装着从博物馆藏品中精心挑选的物件，用以引发交谈、重新点燃旧日的记忆。
• 动手，更动心： 老人们触摸、嗅闻，甚至重现历史中的体验，与过去建立起新的联系。
• 你的人生，登台展出： 有一个项目让老人们以童年海边出游为灵感进行创作。结果如何？他们的作品成了博物馆展览的一部分——这是对他们人生经历的有力肯定。
• 校园借展，重获新生： 博物馆原本为孩子们设计的教育箱，在养老院里焕发了新的生命，触发了意想不到的往事，引出一场场即兴的讲述。

衡量难以衡量之物：怀旧的科学

人与人之间的联系很难标价，但科学一直在尝试。研究表明，接触艺术与历史能改善认知功能与情绪健康。

蒂斯河谷博物馆群的项目用一些个案为此提供了佐证：原本沉默不语的失智症老人，忽然认出了一幅画，喊出了一个名字。养老院的工作人员反映，从前沉默孤僻的人开始在走廊里聊起天来。

事实证明，回忆这一举动，能够带来改变。

真正的投资回报：快乐与联系

博物馆往往难以在财务上为外展项目辩护。这类项目花钱、费时，又未必能转化为门票收入。但反过来想：这个”博物馆走进养老院”项目重新定义了博物馆的成功。

如果投资回报衡量的不是收入，而是焕发的生机呢？如果最好的指标不是客流量，而是有多少老年人的日子因有意义的参与而变得丰盈呢？

一种面向未来的模式？

这项倡议真正的启示，不只是它温暖人心、行之有效。博物馆有潜力成为推动社会变革的力量。当各家机构在财务压力与不断变化的受众需求之间周旋时，像这样的项目指明了一条可供选择的前进之路。或许，博物馆的角色不仅是守护过去，更是为最需要的人带去快乐与联系——一次一家养老院，逐步实现。

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来自蒂斯河谷博物馆群的 Jo-Anne Cole 与 Shelley Newnham 在 2025 年博物馆、健康与福祉峰会（Museums, Health & Well-Being Summit 2025）上介绍了”博物馆走进养老院”项目。

长期以来,博物馆一直是艺术、历史和文化的殿堂,为参观者提供了一个远离日常喧嚣的机会。但对一些人来说,传统的博物馆参观可能令人难以承受——拥挤的人群、明亮的灯光和背景噪音,会把本应令人放松的体验变成一种压力。

为了解决这个问题,许多博物馆开始推出「安静时段」或「安静参观」。这些专门设置的时段提供了一个更平和、更适合感官需求的环境,让博物馆变得更具包容性、更受欢迎。

博物馆中的「安静时段」是什么?

「安静时段」是博物馆专门留出的特定时间,用以有意减少感官刺激。这可能包括调暗明亮的灯光、降低或关闭背景声音、限制参观人数,以及提供可供休息的安静空间。这些调整旨在为神经多样性人士(例如患有自闭症或存在感官处理差异的人)以及单纯偏好宁静体验的参观者,营造一个更舒适的环境。

但「安静时段」不仅仅关乎无障碍性,也关乎身心健康。它们提供了一个深入反思、缓解压力,以及与艺术和历史建立更个人化联系的机会。

为什么「安静时段」对身心健康很重要?

在较为安静的时段参观博物馆,可以对心理健康和整体福祉产生显著的积极影响。研究表明,参观博物馆能够:

• 减轻压力:平静的环境和引人入胜的视觉内容可以降低皮质醇水平,这是一种与压力相关的激素。
• 改善情绪:接触艺术和文化空间众所周知能够提升情绪健康,并减轻焦虑症状。
• 增强专注力与反思:更安静的环境让参观者能够更深入地投入展览,并在没有干扰的情况下处理信息。

「安静时段」的真实案例

世界各地许多博物馆已经成功实施了「安静时段」。以下是几个值得关注的例子:

• 比利时 Museum Hof van Busleyden:该博物馆提供专门的安静参观时段,灯光被调柔,声音被降至最低,工作人员经过培训能够在不打扰的情况下提供协助。其成果是为神经多样性参观者以及寻求宁静的人营造出一个温馨的空间。
• 英国 Brooklands Museum:该博物馆以在学校假期期间设置「安静时段」而闻名,通过减少视听效果和限制参观人数来营造更轻松的氛围。
• 新加坡国家博物馆:考虑到一些年长者在参观时可能感到不堪重负,新加坡国家博物馆设立了一个可供放松减压的平静空间。可调节的灯光和感官工具让照护者能够营造舒适的环境,帮助年长者在重新参与活动之前更好地调节情绪。
• 美国 Whitney Museum of American Art:惠特尼博物馆为神经多样性参观者提供「更安静的时段」,在正常开放时间之外提供一个可控的感官环境。

博物馆如何成功推出「安静时段」

如果其他博物馆希望效仿,可以采取以下关键步骤:

1. 员工培训:让员工了解神经多样性人士的需求,以及如何细致体贴地协助参观者。
2. 清晰沟通:确保参观者了解「安静时段」的举办时间以及可以期待什么。
3. 参观者反馈:收集反馈意见,以持续改善体验。
4. 合作伙伴关系:与神经多样性社群合作,确保该项目满足他们的需求。

不仅仅是包容:为所有人带来更好的体验

虽然「安静时段」是为神经多样性参观者而设计的,但它们能让所有人受益。带着年幼孩子的家长、年长的参观者,或任何寻求无压力博物馆体验的人,都能欣赏这些更安静的时段。

荷兰的一个试点项目甚至将博物馆用作减轻医疗专业人员压力的空间。

是时候在您的博物馆引入安静时段了吗?

在包容性与无障碍性成为文化机构使命核心的当下,「安静时段」为博物馆提供了一个有力的工具,用以与多元化的受众建立有意义的联系。通过有意识地设计低感官刺激的环境,博物馆既能更好地支持神经多样性参观者,又能在创新的参观者体验设计方面展现引领力。

实施「安静时段」不仅是一种包容之举,更是一项战略性投资,旨在创造让每位参观者都感到被重视、被理解和受欢迎的空间。

对于博物馆从业者而言,第一步是评估当前的参观者体验。分析客流规律以识别较为安静的时段,咨询神经多样性社群以获取洞见,并投入员工培训以确保顺利实施。

从精心规划的小型举措入手,再根据参观者的反馈加以完善,能够带来切实的成效。归根结底,一个更安静的博物馆不只惠及少数人——它为所有人创造了一种更具用心、更令人愉悦的体验。

本文首发于 MuseumNext.com